Il nome di Robert Rauschenberg (1925-2008) viene solitamente e giustamente accostato a quello di Jasper Johns quando si vogliano identificare i personaggi più determinanti per lo sviluppo dell'arte americana degli ultimi 50 anni, dato che a loro si deve il passaggio dal movimento New Dada, fenomeno storico ben etichettato importato dalla vecchia Europa, ad una nuova realtà culturale più specificatamente americana, vivificata da nuovi stimoli e percorsa da problematiche autonome, alla ricerca di nuovi percorsi stilistici: dalla poetica di questi due artisti deriverà la Pop Art e verrà segnata tutta l'arte americana seguente.

Le composizioni di Rauschenberg sono, rispetto a quelle di Johns, più complesse e meno elegiache, con un grappolo di punti di interesse che invade totalmente la tela, esemplificazione di un concetto di abbondanza che si riferisce sia agli stimoli che l'ambiente urbano riversa sugli abitanti, sia all'erogazione industriale di beni materiali ed al conseguente spreco. Questo fenomeno, tipico delle società occidentali industrializzate, verrà definito consumismo perché caratterizzato dall'aumento non necessario di consumi atti a soddisfare bisogni fittizzi, creati dalla pubblicità e non dalla necessità.

Queste istanze sia morali che formali vengono espresse da Rauschenberg nei termini di una espansiva "sensualità documentaristica", per usare una definizione del critico inglese Lawrence Alloway, che unisce la sensibile osservazione anche critica della realtà alla ricerca di un minimalismo estetico capace di conferire dignità al prodotto di scarto.

Le sue opere, costruite con la tecnica dell'assemblage, con oggetti comuni o spezzoni di oggetti recuperati (objet trouvé) ed immersi in una dimensione artistica, secondo il concetto dada del ready-made, si collocano a metà tra arte e vita, tra pittura e collage, sono raccolte di memorie del quotidiano, assemblate e riconciliate in un gesto che ha qualcosa di rituale e che le converte in forma estetica: l'unica cosa che può fare l'artista è solo questa possibile ricomposizione della realtà urbana mercificata ed industrializzata, di cui anche l'uomo fa parte.

Determinante per la formazione di Rauschenberg fu il contatto con il musicista John Cage, che gli trasmise il concetto di "azione nel dislivello tra arte e vita", così come una tela di Rauschenberg, tutta completamente bianca, vuota, pronta a raccogliere ombre o riflessi, suggerì a Cage una delle sue opere più dirompenti, 4'33" di silenzio, mentre Morton Feldman, da una tela di Rauschenberg, tutta nera, con un foglio di giornale incorporato, anch'esso dipinto di nero, intuì come per un'illuminazione la libertà nell'assimilazione di materiali diversi, in quella che non vuol essere una dicotomia totale "tra l'arte e la vita, ma una via di mezzo".

Sono sicuramente presenti in Rauschenberg elementi derivati dall'Espressionismo astratto, specie in alcune opere come "Interview" e "Retroactive 1", movimento dal quale egli si distingue ben presto per l'utilizzo di una figurazione che mantiene all'immagine un suo valore, un'identità, un'autenticità che non hanno nulla a che fare con il quadro.
Le opere di Rauschenberg pongono la critica davanti ad un dilemma: così infatti osserva il critico George Sorley Whittet, nel 1964, sulla rivista "Studio International": "L'assenza dell'arte non aiuta in nessun modo le nostre reazioni di fronte alla vita. Quella che Rauschenberg ci offre è la vita allo stato puro; sta a noi trovarvi l'arte, da soli."
Concetto a cui fa eco Andrew Forge quando, nel 1970, afferma: "La vita ha penetrato la sua opera in lungo e in largo, e ogni sua opera, più che imporci una definizione di arte, scaturisce da una ricerca di tutti i possibili contesti nei quali può verificarsi il fatto artistico."

L'indagine di Rauschenberg non coinvolge esclusivamente la società moderna, egli non si limita ad applicare i suoi salti associativi a materiali contemporanei e popolari, egli riflette anche sulla cultura del passato e produce una serie di disegni ad illustrazione dell'Inferno di Dante Alighieri, di cui sottolinea la perdurante attualità trasponendo la sua poetica alla realtà moderna mediante un riferimento diretto del suo poema alle cose che ci circondano.
Robert Rauschenberg fu certamente un grande sperimentatore, ma al di là di opere di traumatizzante rottura, come il celebre "Monogram" che presenta come soggetto una capra imbalsamata, con un destabilizzante salto di sensibilità che provoca nello spettatore un vero e proprio brivido, in generale Rauschenberg, con atteggiamento veramente pionieristico, indaga il rapporto dell'uomo con la società urbana e tecnologica, con l'oggetto di consumo di cui muta il valore e il senso corrente, per arrivare, con un'azione mirata, alla coscienza del fruitore dell'oggetto: nascono così le sue esperienze polimateriche, i combine-painting, le sue opere di collage, di riciclaggio, di riutilizzo del prodotto di scarto che viene in un certo qual modo "redento" dall'opera dell'artista in un rito che Edward Lucie-Smith definisce "iconico-celebrativo" dei miti consumistici.

L'importanza dell'opera di Rauschenberg sta nell'aver elevato, con i suoi assemblages, i materiali dal livello delle relazioni puramente formali a quello della poesia associazionale, in sostanziale opposizione a ciò che stava attuando l'Espressionismo astratto, tendente invece ad assorbire il soggetto nel mezzo espressivo, che diveniva così esso stesso soggetto.

Utilizzando un modo espressivo quale l'assemblage, che di per sè tende ad escludere l'idea di uno stile, Rauschenberg riesce invece ad inventare un suo riconoscibilissimo linguaggio formale che sarà pregno di spunti ed influenze per le generazioni che seguiranno, prima di tutte la generazione degli artisti pop.

*articolo aggiornato il 20/01/2013